Maldição, gozo e devoção em concerto do Coro da Osesp

Sob regência de Thomas Blunt, grupo fez a estreia de Cânticos da Casa do Sol, em que o compositor Leonardo Martinelli buscou diversos coloridos para cada um dos poemas de Hilda Hilst

Conhecido na cena musical paulistana sobretudo como autor de óperas como O Peru de Natal  e Navalha na carne, o compositor Leonardo Martinelli vive um momento para lá de especial. Duas semanas depois de o Percorso Ensemble executar sua notável trilha sonora para o filme Limite, de Mário Peixoto (leia aqui a crítica de Nelson Rubens Kunze), na Estação Motiva Cultural, ele viu o Coro da Osesp, na Sala São Paulo, na quinta-feira, 12, estrear uma encomenda: os Cânticos da Casa do Sol. O mesmo programa será repetido hoje, 13, e amanhã, 14 (veja aqui).

Variado, o programa começou com os ecléticos e coloridos Chichester Psalms, de Bernstein – uma interpretação irregular no início mas que aos poucos se consolidou, e na qual não há como não destacar a personalidade e segurança da cativante solista mirim, Rafaela Sinhor, de 11 anos, integrante do Coro Infantil da Osesp. A apresentação teve ainda como convidado o Martelo, grupo de percussão que vem chamando a atenção não apenas pela qualidade técnica como pela inventividade de seus programas. Integrados ao efetivo do concerto, eles tiveram seu momento solista em Correnteza, peça concisa e original de um dos integrantes do grupo, Leonardo Gorosito. Foi um ótimo cartão de visitas.

Fechando a primeira parte veio a obra de Martinelli, que deveria replicar a instrumentação de As bodas, de Stravinsky. Portanto, além do coro e da percussão, subiram ao palco ainda o luxuoso e entrosado quarteto pianístico formado por Fernando Tomimura, Ricardo Ballestero, Cecília Moita e Lucas Thomazinho.

O desafio de compor uma nova peça a partir da orquestração de um clássico não é novidade para Martinelli. Em 2022, no Festival Artes Vertentes, em Tiradentes, ele estreou seus Postais de Parte Alguma, sobre versos de Ana Martins Marques, com a mesma formação das Folk Songs, de Luciano Berio. Tanto naquela época quanto agora, Martinelli tomou a sábia decisão de não tentar competir nem se deixar oprimir pela grandeza de seus “colegas” de programa. No caso específico dos Cânticos, ele abandonou o quarteto solista empregado por Stravinsky, trouxe para a percussão instrumentos afro-brasileiros como alfaias, atabaques, caracaxá e ganzá, e explorou a espacialidade, promovendo perguntas e respostas entre os instrumentos dispostos no palco.

E a experiência operística também se fez presente. Em Limite, ela era marcada sobretudo pelo sentido de tempo dramático – a música parecia reagir em tempo real a cada novo quadro ou sequência do filme, incutindo-lhe ritmo e acrescentando-lhe uma expressiva camada narrativa. Aqui os traços ficam na elaborada e idiomática escrita vocal e na relação sofisticada com os textos de Hilda Hilst – ecoando de forma distante o que Almeida Prado fez com a obra de sua prima nos Pequenos funerais cantantes ao poeta Carlos Maria de Araújo, de 1969.

Martinelli escolheu alguns dos Poemas malditos, gozosos e devotos, de 1984, que exploram o tema da devoção com uma carnalidade que beira o erótico. Há uma tensão constante entre busca e distanciamento, entre carne e espírito, que parece remeter aos êxtases de Santa Teresa de Ávila.

Em seu texto de programa ele explica os três afetos que explora na obra: “a maldição – tanto no sentido de reprovação divina quanto no dos desejos irrefreáveis aos quais os humanos estão sujeitos – o gozo e a devoção. Nessa peça, cada afeto é simbolizado por uma coleção de notas que se alternam e se materializam em múltiplas formas ao longo da partitura”.

Criativo, para além do jogo entre as “coleções de notas”, o compositor buscou também diversos coloridos para cada um dos poemas. Os intérpretes abraçaram a obra, tocando-a com carinho e convicção, e o desempenho do coro foi particularmente notável na seção a cappella. Já marquei na agenda a data de 15 de dezembro, quando o filme A Paixão de Joana D’Arc, de Carl Theodor Dreyer (que Eisenstein chama em sua autobiografia de “um dos filmes mais lindos da história do cinema”), será exibido na Cinemateca Brasileira, em São Paulo, com execução ao vivo de mais uma trilha composta por Martinelli.

Depois de tamanha intensidade, veio o intervalo, e a primeira peça da segunda parte, Música para teclados percutidos, vozes e órgão, em homenagem aos 90 anos do compositor minimalista norte-americano Steve Reich, constituiu um certo anticlímax. Não por culpa dos executantes, dedicados e empenhados, mas por conta da própria monotonia da partitura epidérmica, distante dos momentos mais inspirados de Reich.

De qualquer forma, quem cochilou (com justiça) com Reich teve todos os motivos para despertar – e muito – na obra de encerramento do programa. As bodas (Svádiebka), de Stravinsky, são conhecidas no Ocidente por seu título francês, Les Noces – mas que bom que o Coro da Osesp (que já tinha cantado Bernstein em hebraico e Martinelli em português) fez o esforço de interpretá-las em russo. Pois, embora compilado a partir da coleção folclórica de Pável Kirêievski, o texto de Stravinsky é uma sofisticada colagem de trechos de fala tirados do contexto original, em que o aspecto sonoro dos fonemas pode contar até mais do que a semântica. Na definição de André Boucourechliev em seu livro sobre o compositor, “é a música que determina o sentido profundo do argumento, não o contrário; em nenhum caso ela é uma ‘ilustração’ do texto. Este não existiria sem ela (ademais ele é organicamente ligado à música na criação popular em geral); são as formas musicais (globais, fragmentárias, parcelárias) que o ‘escolhem’, tratam, esclarecem – para recriá-lo em um novo ser musical total”.

Não há propriamente um libreto ou ação transcorrendo no palco. Os quatro solistas (Laura Pisani, soprano; Ana Lucia Benedetti, mezzo de timbre sempre impressionante; Mikael Coutinho, tenor; Andreson Barbosa, baixo) dão vozes a diversos personagens, sem realmente encarnar nenhum. O que se tem é a encenação de um ritual nupcial hierático – e completamente inventado.

Em suas Chroniques de ma vie, Stravinsky conta que o idiossincrático efetivo instrumental “era o resultado de uma necessidade que decorria diretamente da própria música de As bodas, e não foi em nada sugerido por um desejo de imitar as sonoridades das festas populares deste tipo que, ademais, nunca vi nem ouvi”. Analogamente, ele quase não utiliza motivos populares (à exceção de um tema do último quadro). “Não era minha intenção reconstituir os ritos camponeses de bodas, e as questões etnográficas me preocupavam muito pouco. Queria compor eu mesmo uma espécie de cerimônia cênica, servindo-me a meu gosto dos elementos rituais que me eram abundantemente fornecidos pelos costumes aldeões estabelecidos na Rússia há séculos para a celebração de casamentos. Eu me inspirei nestes costumes, mas reservando-me a liberdade completa de usá-los como me convinha.”

O resultado foi uma das mais poderosas criações stravinskyanas, a um só tempo continuação da Sagração da primavera (no vigor rítmico, no caráter ritualístico, na encenação de uma Rússia rural imaginária) e ruptura com ela (ao abrir mão de uma orquestra imensa em prol de um número reduzido de instrumentistas). Com um gestual claro e preciso, Thomas Blunt conduziu a obra com verve e segurança, instrumentistas e cantores desincumbiram-se briosamente das dificuldades da partitura e, com celebrantes tão entusiasmados, a Sala São Paulo casou-se com Stravinsky.

Por amor, como sempre deveria ocorrer.